Crítica: Entre altos e baixos, “Forever” entrega uma temporada coesa

Caminhando para uma jornada totalmente oposta a do herói, a protagonista de Forever, June (Maya Rudolph), começa extremamente infeliz dentro da história e anda em direção da sua felicidade, posteriormente. Mais do que isso, ela parece demonstrar estar paralisada diante de todo o fracasso que foi e tem sido sua vida. Ela atribui estas sensações e derrotas ao seu casamento com Oscar (Fred Armisen). Toda esta estrutura é posta no piloto da série, que já ambienta ali, de forma bastante eficaz e direta, o cotidiano do casal.

Criado por Matt Hubbard (The Stones) e Alan Yang (Master of None) e produzida pela Prime Video,  o seriado consegue imprimir estilisticamente as sensações vividas pelas personagens. Através de cores predominantemente amarronzadas e pastéis e de planos fixos de situações repetidas há uma atmosfera de tédio estabelecida. Contudo, isto não é um elemento que afeta a dinâmica da obra e a deixa enfadonha. O fator central disto é a quantidade de plot twists existentes, principalmente nos três primeiros episódios.

Durante este período da trama os sustos e surpresas são tão fortes que o espectador pode passar a temporada inteira tenso, esperando a próxima reviravolta. Nesta mescla de suspensão ão e melancolia, a progressão de June é posta. A cada momento ela vai se descobrindo e compreendo suas próprias necessidades. A maneira como foi escrita é o principal ponto de qualidade. Existe uma complexidade nela, desde a sua maneira de expressar seus pensamentos até as ações que performa. No entanto, a atuação de Rudolph acrescenta mais camadas para June.

 

Forever' Finale Explained: Alan Yang Talks Big Twist, Potential ...

 

Através de seu processo de criação, ela entregou uma figura extremamente transparente em suas emoções, porém com movimentos muito pequenos, seja no rosto ou no corpo inteiro. O tom da sua voz, geralmente, não casa com o que ela está dizendo e demonstrando nas suas expressões. Este comportamento vai, gradativamente, mudando e a intérprete vai revelando outros tipos de movimentos e deixando que exista uma unidade entre o que June quer dizer e diz.

Apesar de possuir bons atores e conseguir criar esta vontade de maratonar, por apresentar um clima de possíveis novas ocorrências o tempo inteiro, Forever tem dois problemas que incomodam intensamente. O primeiro é a existência do 1×06, momento da produção que parece mais um filler do que qualquer outra coisa. Ele pouco traz para o enredo em si e está ali muito mais para reforçar algo que já foi compreendido bem antes na projeção: a questão de aproveitar as chances que o destino oferece antes que seja tarde. O que acaba sendo um tanto repetitivo. Ainda há o fator de duas novas figuras serem introduzidas (Andre e Sarah), para logo depois serem descartadas.

Outra questão que deixa a desejar é a construção da relação de June e Kase (Catherine Keener). Ao mesmo tempo que as duas parecem namoradas, após o distanciamento de June e Oscar, o relacionamento da dupla tem uma crescente que é interrompida por uma suposta dúvida de June que, na verdade, soa como uma confusão dos próprios roteiristas. Eles colocam elas dentro de piadas sobre lésbicas, por exemplo, o que faz se pensar até onde aquilo é posto no texto apenas para ser um mero conflito e ganchos para pinceladas cômicas.

Ainda assim, no geral, Forever entrega um resultado equilibrado, quase mediano, porém um pouquinho acima da média. Isto se deve à dinâmica de Rudolph com Armisen, que jogam através dos diálogos, fazendo com que as cenas sejam mais instigantes, por conseguirem deixar o tom cotidiano e distanciado ao mesmo tempo. A expectativa do próximo plot twist também segura quem assiste a continuar interessado na narrativa.

 

Crítica Coringa

por Enoe Lopes Pontes

Luzes, cores, temperaturas, sons. Coringa é um filme que traz uma estética que demonstra o desejo de se fazer notar. Seja na direção de Todd Phillips (Se beber, não case), na fotografia de Lawrence Sher (Hora de Voltar), na interpretação do próprio Joaquin Phoenix (Gladiador) ou qualquer outro elemento,o longa parece não querer passar despercebido. Todos os detalhes são intensos. São evidenciados. No geral, o resultado disto é positivo.

A produção traça o perfil de uma personagem insana, trazendo um retrato que foge de algo caricato. A questão da sanidade mental do protagonista é não o distanciada da humanidade e ele está inserido na sociedade. Ainda assim, o roteiro lembra ao público constantemente que o Arthur Fleck (Phoenix) não se encaixa no padrão de regras de comportamentos impostos por todos. Um ponto de partida para falar sobre esta característica pode ser corpo do intérprete, que narra para o espectador um pouco da trajetória daquela figura.

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Raquítico, curvado, cabelo ensebado, Fleck parece ter um desespero em se encaixar no mundo, em ser aceito e ter pessoas que o admiram. Ao mesmo tempo, ele se sente preso a esta necessidade e, quando passa por um momento de virada em seu caminho, nota que o que ele precisa é bem diferente do que imaginava. E aí, talvez, esteja o maior ganho da obra. A partir de certa parte do enredo, o tão conhecido vilão das HQs, aqui, começa a ser visto como uma espécie de herói.

Ao trazer os conflitos sociais de Gotham e novas perspectivas de que são os algozes – sob o olhar um tanto mais desconstruído do século XXI – o texto de Phillips e Scott Silver (O Vencedor) consegue propor uma visão menos maniqueísta sobre as situações e desmascarar a vilania humana que habita em todas as personagens e, claro, em todos os seres humanos. E um dos elementos chaves, além da escrita e direção, que causam efeitos e sensações de reflexão e ligação daquele contexto com a realidade é a trilha sonora de Hildur Guðnadóttir (A Chegada). Ela dialoga diretamente com a figura principal da história e a sua constante sensação de estar sendo machucado pelo mundo constantemente e de várias formas.

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Outros pontos elementares da qualidade do filme são as atuações. Duas delas são as mais destacáveis. A de Joaquin Phoenix é mais óbvia. O ator, além de suas modificações na aparência físicas, criou um corpo, uma voz e um olhar diferente. Ele transmite acolhimento e terror em uma única expressão. A tensão é também criada por esse ser que aparenta estar sempre em prontidão para agir, podendo dar um um sorriso, uma ajuda ou cometer um assassinato. Esse limiar do Coringa é alcançado. É impossível saber o que ele fará em seguida.

Outro trabalho que chama atenção é o de Robert De Niro (Murray Franklin) que incorpora um apresentador de programa de TV. A construção do ator deixa sempre um mistério nos próximos passos de Murray. Ele é a própria figura idealizada na mente do protagonista, por isso não dá para saber durante a projeção quem é aquele homem de fato e De Niro faz isso nas intenções textuais e gestuais, mudando a cadência em cada sequência que aparece.

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Apesar de toda qualidade do longa, ele peca por certa falta de progressão dramática, que, talvez, se equilibrasse com um algum respiro ou um início com menos vontade de oferecer de vez todos os recursos técnicos que a equipe era capaz de trazer. No final, a experiência não é comprometida, mas, lá no fundo, fica um cansaço de ter visto tanta câmera lente e luz hiper estilizada desde os primeiros segundos de exibição.

https://www.youtube.com/watch?v=ntSvI2qaRxU

Maratone como uma Garota! – Liberdades e prisões em Vis a Vis

Muitas (boas) produções espanholas têm marcado presença nas listas de maratonas de muita gente por aí. Nomes como Las Chicas del Cable (As Telefonistas, em Br) e La Casa de Papel apresentam não somente narrativas instigantes, e viciantes, mas também uma ampla diversidade de questões relativas às personagens femininas. Em Vis a Vis, encontramos um cenário muito familiar, do qual nos despedimos recentemente com Orange Is The New Black, finalizada este ano, que é a penitenciária feminina. A densidade das personagens e o desenrolar das suas histórias vão revelando nuances de personalidades e borrando fronteiras morais que poderiam parecer óbvias, levando o espectador a questionar muitos juízos pré-definidos. Mesmo se você ainda não tenha assistido, talvez esse texto possa te dar um empurrãozinho.

Apesar do plot estruturar-se numa prisão, os ares, a estética e as tramas são bem particulares. E para quem sofre de ansiedade para a 4ª temporada de La Casa de Papel, uma boa notícia: além de contar com os mesmos responsáveis (Alex Piña é o criador de LCDP e cocriador de Vis a Vis), ainda encontramos no elenco duas grandes atrizes: a maravilhosa Najwa Nimri, a inspetora Alícia Sierra de LCDP, que vive, em Vis a Vis, a “vilã” Zulema Zahir, e Alba Flores, a rainha do matriarcado Nairobi, que vive aqui a cigana Saray Vargas aqui. Dentre muitos tópicos que poderíamos explorar, a Maratone como uma Garota! deste mês discute um pouco como a noção de liberdade na produção transita entre sonho, esperança e perversão, principalmente a partir das duas personagens principais.

 

 

O título de “Orange Is the New Black Espanhola” definitivamente não faz jus ao seriado. Apesar de ambas oferecerem personagens e situações empáticas, caricatas e por vezes cômicas, retratando a diversidade que representa o mundo das prisões, o argumento de Vis a Vis, com um tom mais dramático e tenso, gira em torno, entre outros temas, da liberdade e como esta pode se tornar uma perversão. A história inicia-se com a entrada de Macarena Ferrero (Maggie Civantos) na prisão Cruz del Sur, que, enganada e apaixonada pelo ex-chefe, comete crimes fiscais. Em seus primeiros minutos encarcerada, Macarena conhece Zulema (Najwa Nimri), uma detenta geniosa e bastante perigosa. Ao encontrar um chip de celular que continha informações sobre uma grande quantidade de dinheiro escondida, a vida da mocinha e de sua família se transformam em uma montanha russa de perigos e mortes. O trunfo da série, no entanto, está mais em Zulema, quem tem uma construção menos estereotipada e mais bem desenvolvida. 

Macarena começa como a loirinha ingênua e quase inocente (um estereótipo bem típico de “boa moça”) e vai transformando-se numa bad girl* até se tornar uma das chefes da prisão. Em um primeiro momento, a protagonista até tenta ganhar força, mas continua à sombra de uma caricatural transformação de cárcere. Porém, ela começa a ganhar bons contornos a partir de meados da 2ª temporada, quando atinge um patamar em que “mal” e “bem” já não prevalecem, mas a condição humana de imprecisão e inconstância. É aí que a série também vai se mostrando mais atenta a essas falsas definições de certo ou errado. A princípio, Macarena apenas queria provar sua inocência e sua liberdade era mais de uma moral tradicional. É descobrindo como a sociedade e a justiça são bem mais sujas do que parece que seu ideal e a moral da liberdade caminham para outro sentido: entre querer sair, não ter aonde ir, não ter mais as âncoras de antes. A relação de Macarena e de Zulema tem por base, justamente, a ânsia de livrar-se dos encarceramentos, nas fugas e na prisão.

 

 

“O elfo do inferno”, como se autodefine Zulema, é a personagem mais cheia de sutilezas e tensões. Inteligente, ágil, má e sem muito afinco a sentimentalismos, a única coisa que lhe interessa é a liberdade. Seus diálogos sempre conotam, entretanto, que a liberdade é muito mais complexa do que parece. Ela quer sair da cadeia, mas não quer uma vida comum, pois como afirma “ama a vida mais que tudo”. O modo como a narrativa estrutura esta personagem se mostra bem interessante pois temos sempre muito claro que ela é humana, não uma psicopata monstruosa e fria, mas também suas ações não se justificam por conta de traumas, de sofrimentos, ainda que os haja.

Ou seja, a sua humanidade não se oculta na maldade (que ela própria não nega) e nem se apóia numa tentativa de redenção, como encontramos em muitos outros antagonistas. “Vilã” não parece ser um termo aplicável, visto que a vilania está mais nas estruturas do que nas pessoas. Zulema faz o que for necessário para ser livre. Sempre astuta, ela também reforça como os lugares na prisão – o encarcerado e o encarcerador – não estão dados. Há, porém, momentos em que o roteiro parece desfazer-se do seu peso na narrativa, forçando um escanteio mal sucedido. Grande parte da potência e sedução de Zulema (que conquistou a maior parte dos fãs de Vis a Vis) está na carga da atuação de Najwa Nimri, que maneja muito bem ironia, coragem, comédia e terror. 

 

 

A liberdade como uma espécie de perversão está presente o tempo inteiro e é um fio condutor no roteiro. Essa ideia de “perversão”, que foi também discutida pela própria Nimri em algumas entrevistas, nos diz sobre como este valor por transformar os sujeitos radicalmente, tornando-se uma obsessão. A vontade de liberdade e a atração que exerce rege não somente Zulema, mas também outras encarceradas. Muitas vezes, estar fora não é ser livre, como percebe Soledad Nuñes (María Isabel Díaz) que, condenada pelo assassinato do marido abusivo, percebe que o mundo fora das grades só lhe traz dor e culpa, e que lá não tem ninguém. Já Terê (Marta Aledo), uma viciada em heroína, começa a questionar o quão libertar-se do vício tem altos preços.

É bem verdade que Vis a Vis traz também algumas representações bastante redutoras e problemáticas para algumas mulheres da trama, especialmente a diretora Miranda (Cristina Plazas), que permanece alienada e manipulável e seu intento de humanizar a cadeia, ao invés de fortalecer, a enfraquece. Sororidade e feminismo não são o ponto mais forte desta produção, que escorrega em alguns momentos, colocando disputas um tanto misóginas entre as presas. Muitas relações amorosas são também mal desenvolvidas e algumas situações de violência sexual e estupro não têm um bom tratamento. Porém, a série consegue explorar alguns pontos importantes na trama e é muito viciante. 

 

Br em Série: A fórmula do sucesso: Cine holliúdy traz a comicidade nordestina e homenagem ao cinema e A TV

Parece que apesar do preconceito e descaso com o Nordeste, a cultura da região ainda é receita de sucesso para as narrativas brasileiras. A Rede Globo demonstra ter entendido isso há algum tempo, pois vira e mexe apresenta narrativas com esse conteúdo, desde novelas, filmes a, mais recentemente, seriados (muitos desses produtos adaptados de realizações regionais). Assim, fomos apresentados a Cine Holliúdy,  trama de dez episódios que trouxe de volta à TV aberta o humor nordestino, mais especificamente cearense. Baseada no longa homônimo de sucesso do cinema nacional, assinado também pelo diretor Halder Gomes, a produção retorna com o personagem Francisgleydisson (Edmilson Filho) e outros atores, para a fictícia Pitombas, cidadezinha do interior do Ceará, onde esse “cabra” sonhador e apaixonado por cinema luta para manter viva a sétima arte que está ameaçada com a chegada da TV.

Tanto a série quanto o filme tem a mesma premissa de homenagear as salas de cinema que movimentavam as cidades do interior, mas que hoje, já quase não existem. Porém, nessa nova roupagem, fica forte a metalinguagem com relação a TV. A narrativa, como a abertura (belíssima e cantada por Elba Ramalho e Falcão) coloca, brinca com essa relação: Qual a diferença da TV para o cinema? Parece um pergunta retórica já que a série reverência a TV e suas próprias produções (novelas da Globo) e o cinema (em especial o cinema regional). O tom nostálgico e a homenagem singela é um trunfo do seriado.

 

 

Para quem acompanhou os filmes, pode ficar tranquilo, que apesar do “mão da Globo” visível na produção, Cine Holliúdy tem uma história nova, mostrando o mesmo Francisgleydisson numa versão, anterior a dos dois filmes da franquia, embora ainda dedicado ao cinema.  Francis aqui vive em Pitombas, onde toca um cinema fixo (Cine Holliúdy) nos anos 1970. O problema surge com a chegada da nova mulher do prefeito, a paulista Socorro (Heloísa Perissé), e sua filha, Marylin (Letícia Colin), que o convencem a comprar uma televisão, a primeira da cidade.

O protagonista logo se encanta pela “platinada” e com nome de “estrela do cinema”, Marylin, e daí surge o romance entre “tapas e beijos” entre eles. A graciosidade e determinação da moça da cidade, em contraponto à ingenuidade e esperteza de Francis dão autenticidade ao romance. Ao longo dos episódios, Francis, seu fiel escudeiro Munízio (Haroldo Guimarães) e Marylin decidem criar seus próprios filmes e reconquistar o público.

 

 

Ao redor deles, atuações da melhor qualidade, como o Prefeito Olegário (Matheus Nachtergaele), que prova mais uma vez o respeito ao interpretar um nordestino, seu assessor (ou capacho) Jujuba (Gustavo Falcão), a primeira-dama Socorro (Heloísa Périssé de volta às telas), e os talentos regionais que fizeram a diferença, como Carri Costa (Lindoso), Solange Teixeira (Belinha) e Frank Menezes (Delegado Nervoso). E é claro, não poderia se deixar de comentar da primorosa narração de Falcão,que também atua como Cego Isaías, com seu sotaque forte dá um aspecto de cordel a narrativa .

 

Ode ao cinema e ao interior nordestino

 

Cine Holliúdy une o bom dos dois mundo: o ritmo rápido (em torno de 25 min), com arcos que se fecham por episódio (trama circular) e que não se enrolam, estilo dos filmes clássicos, com a narrativa simplória, sem tramas muito complexas, típico das novelas. Um história para se distrair, rir e apaixonar pelos personagens.

Os  episódios temáticos são mais uma forma de homenagear o cinema. Em sua saga de herói, Francis lida com situações de filmes de ficção científica, de ação, vampiro, faroeste e até os filmes de luta. Cada aventura dessa vira um filme que ele mesmo produz, e que faz o cinema resistir a TV, pois, em suas palavras, “o povo quer ver filmes com gente do Ceará, e falado em Cearense”.

 

 

Apesar desse clima de descontração, a série não escapa do estilo Globo, com personagens e situações penando para o caricato. A a função de cada personagem é típica e fica explícita logo nas primeiras cenas,  o malandro, o político corrupto, a garota moderna da capital, a fofoqueira, a dondoca, o bobalhão. Porém, a boa atuação, os diálogos, cenários e figurinos caprichados tiram a série do lugar estereotipado e fazem o público se conectar rapidamente.

De um filme de baixo orçamento, que levou mais de 480 mil pessoas aos cinemas, surge uma série, que seguindo o sucesso de produções semelhantes, como Auto da Compadecida e a novela Cordel Encantado, se consagra como mais uma comédia certeira da Globo nas noites de terça-feira,  faixa que teve outras comédias cheias de qualidades, como Tapas & Beijos e Mister Brau. Apesar do horário, Cine Holliúdy exibe um Nordeste colorido, divertido e cheio de aventuras e fantasias que todo mundo pode assistir. O bom resultado trouxe bons ventos, depois do segundo filmes, agora foi confirmada a sua segunda temporada da serie.

 

http://www.adorocinema.com/series/serie-23202/video-19561985/

 

*Vilma Martins é jornalista, cineasta, produtora, pesquisadora e mestranda em Comunicação, pela Universidade Federal da Bahia.

Terror em Série: O Escolhido – Homem de Fé, Mulher com a Razão

O cinema brasileiro de terror vem crescendo cada vez mais e nomes como Gabriela Amaral Almeida, Rodrigo Aragão e Juliana Rojas, trazem uma diversidade e características próprias a esses filmes. Produtos de gênero têm cada vez mais espaço e há um crescimento de produção e distribuição.

O público nacional é um dos públicos que mais consome terror no mundo. Mas, ainda existe certo preconceito de muitos espectadores para assistir produtos que lidam com o fantástico e O escolhido traz características que podem ajudar a reforçar essa crença de falta de qualidade nos filmes e séries de gênero brasileiros.

 

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A nova série da Netflix traz uma premissa interessante: médicos tentam extinguir o vírus zika do Pantanal, porém, no caminho, acabam achando uma estranha cidade onde ninguém fica doente, ninguém morre. Parece um bom argumento para ser vendido num pitching, por exemplo. Uma história que quando alguém conta tem sim certo impacto. Narrativamente, fora essa boa ideia, pouco caminha positivamente.

A questão principal de O escolhido são os diálogos. Textos engessados, ditos de maneira robótica, dificilmente conseguirão criar uma conexão com o espectador. Cenas inteiras para explicar acontecimentos, como funciona a cura feita pelo Escolhido. A maneira como a progressão dos fatos acontecem são dispensáveis, isso porque muito do mistério é desnecessário já que de pronto se entende o que está acontecendo na história. O fruto dessa tentativa de criar certo suspense são momentos em que o roteiro busca confundir o espectador, colocar obstáculos para ele demorar de chegar em alguma conclusão.

 

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Então, a série termina sendo um amontoado de explicações que são sempre revogadas ou colocadas em dúvida, mais atuações que despertam pouca crença na mitologia da série. Além disso, as personagens são mal desenvolvidas, o arco dramático de cada uma delas não consegue nem provocar empatia do espectador, nem deixar claro como as mesmas pensam e/ou se sentem em relação aos acontecimentos. Os habitantes da cidade dizem somente coisas clichês, frases de efeito. Os médicos, um pouco mais elaborados, tomam atitudes que movem pouco a trama para frente e são bastante previsíveis. Já o escolhido, é o rei das frases de efeito e diz suas falas de maneira empolada, cheio de gestos, mas, não imprime nuances em sua interpretação.

O seriado é bem filmado e tem seus bons momentos visuais. A escolha de enquadramentos consegue traduzir bem o olhar da protagonista, Dra. Lúcia, e a câmera escolhe bem o que mostrar durante as cenas onde o espectador entende aquele universo da mesma maneira que a médica. Talvez se a série focasse menos em diálogos e mostrasse mais momentos de percepção do fanatismo sem muitas explicações, deixando espaço para o público elucubrar, teríamos uma obra de mais qualidade. O fim da temporada deixa um cliffhanger interessante, se houver mais episódios a expectativa é de uma melhora, até porque há verdadeiro potencial para se explorar.

 

 

**Hilda Lopes Pontes é cineasta e crítica cinematográfica. Formada em Direção Teatral e Mestre em Artes Cênicas, pela Universidade Federal da Bahia, hoje, ela é sócia-fundadora da Olho de Vidro Produções, empresa baiana de audiovisual.

Crítica: Terceira parte de La Casa de Papel é morna e um grande déjà vu

por Enoe Lopes Pontes

 

Depois de um hiato de quase dois anos, chega ao catálogo da Netflix a terceira parte de La Casa de Papel. Logo no início, é possível notar como o valor de produção cresceu. A percepção pôde ser confirmada pelo criador da série, Álex Pina (Vis a Vis), afirmou, em entrevista para o G1, que não havia limites de gastos por episódio. Assim, o espectador pode encontrar uma roupagem mais sofisticada imageticamente. Mais ângulos, mais locações, efeitos, quantidade de atores, figurantes e equipe técnica envolvida na obra etc.

Nesta parte, é inegável afirmar o avanço do seriado, em comparação com sua temporada anterior. Nos oitos novos episódios, com a maior fatia dirigida por Jésus Colmar (Vis a Vis), a câmera revela um clima de mais tensão e ação, com explosões intensas, revolta de uma multidão e perseguição de carro, que inclui capturas áreas da imagem. No entanto, apesar deste crescimento técnico, La Casa de Papel continua pecando em alguns mesmos aspectos vistos em 2017 e em questões outras.

 

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Primeiramente, existe um incomodo que são as repetições narrativas em relação ao assalto anterior. Situações  semelhantes são postas, apenas com mudanças de local e detalhes. A personagem Palermo (Rodrigo de la Serna), por exemplo, entra como um substituto de Berlín (Pedro Alonso), sendo o machista asqueroso e com textos que poderiam ter sido facilmente ditos pela personagem de Alonso. Este é apenas um caso de tantos outros que ocorrem. As cenas de cantoria, as discussões, os conflitos entre as figuras centrais da trama, tudo remete ao roubo da Casa da Moeda.

A sensação é de que os produtores queriam repetir seu sucesso e criar momentos memoráveis o tempo inteiro e isto faz com que o ritmo não se equilibre. As cenas de ação e os plots twists acabam tendo seus impactos reduzidos pela certeza dos próximos acontecimentos mostrados na tela, já que o público viu as mesmas estratégias, os mesmos problemas e resoluções anteriormente. Mas, existe o ponto alto deste fator e não siga para os próximo parágrafos se ainda não assistiu a terceira parte do enredo.

 

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Em um dado momento, nota-se que o Professor (Álvaro Morte) finalmente tem um ponto fraco e que ele é a sua namorada, Raquel Murillo/Lisboa (Itziar Ituño). Numa sequência que busca ser tensa, por seus cortes e música incidental, fica subentendido que a ex-inspetora Murillo foi executada. Quando o fato parece ter ocorrido, fica a reflexão de que o seriado parece tentar discutir a misoginia e trazer todo um discurso progressista, mas coloca a figura feminina mais forte da narrativa inteira para ser apenas o interesse amoroso do protagonista e eliminá-la seria o elemento que o deixaria mais forte e poderoso.

Como se não bastasse esta visão antiquada, fica-se sabido, minutos depois, que Lisboa não faleceu, está viva, no caminhão da polícia. Ou seja, além dela ser a isca para o homem que assume o comando de tudo, dela ter sido fraca e de pouca inteligência para escapar com suas escolhas, a obra não tem coragem de eliminar a personagem, tomando um caminho óbvio e sem graça, porque em todo o percurso que fez, jamais retirou personas mais importantes, sempre as deixando em grandes cliffhangers, para depois salvá-las.

 

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No final das contas, é perceptível que a discussão feminista é rasa, apenas de enfeite para demonstrar uma imagem positiva, mas que mantém o patriarcado incrustado completamente nos diálogos e ações, deixando as mulheres como mais fracas (Tóquio bêbada porque foi deixada por Rio; Nairóbi com um tiro porque seu instinto maternal foi mais forte do que ela e Raquel na prisão por estar apaixonada). Os rapazes ficam, assim, no comando de toda situação e retém todo poder. Não à toa, todos os episódios são comandados por diretores masculinos e os roteiristas são quase todos…? Homens.

No resultado geral, La Casa de Papel entrega um resultado mediano, nada além da já esperada estrutura feita para criar frases de efeito para internet, memes e posts que podem virar textão,  mas vazio por dentro. As personagens não ganham complexidades e a terceira parte é uma cópia das anteriores, criando tédio durante sua exibição.

 

Comédia em Série: Barry: E se Breaking Bad fosse engraçada?

Barry é uma série da HBO, lançada em 2018, com a sua terceira temporada confirmada para 2020. A produção acompanha Barry Berkman (Bill Hader), um ex-militar que foi à guerra do Afeganistão e, após voltar aos Estados Unidos, é recebido por um amigo de seu pai, Monroe Fuches (Stephen Root), um oportunista que acaba transformando o protagonista em um assassino de aluguel. Fuches é quem arranja as contratações dele, cuja única condição é que mate apenas pessoas ruins. (mais…)

Crítica: Segunda temporada de Samantha! é mais divertida e intensa que anterior

por Enoe Lopes Pontes

 

Neste mês, a Netflix, como de praxe, disponibilizou o conteúdo inteiro do segundo ano da série nacional Samantha! Com sete episódios, a produção conseguiu crescer por apresentar um equilíbrio maior em seu ritmo. Isto, porque a narrativa mesclou os tempos de cena de cada conflito com uma atmosfera dos sentimentos das pessoas mostradas na tela, seus desejos secreto e sensações pessoais. E é aqui que está o grande ganho do seriado! Além de ter as gags e situações divertidas esperadas de Samantha (Emanuelle Araújo), Dodói (Douglas Silva), Cindy (Sabrina Nonata) e Brandon (Cauã Gonçalves), o público descobre também questões do íntimo deles, principalmente da protagonista. Talvez, tenha sido até uma estratégia positiva primeiro apresentar arquétipos de figuras típicas do imaginário brasileiro, como a estrela mirim dos anos 1980 ou o jogador de futebol enrolado, para depois ir mais a fundo nos detalhes sobre elas.

Os roteiristas (Paula Knudsen, Felipe Braga etc) vão colocando pinceladas de informação, lentamente. O espectador vai tendo contanto com a trajetória da “mocinha” e seus problemas na infância. Aos poucos, é possível montar o quebra-cabeça com as peças dadas por eles. Na história, Samantha começa a traçar seu caminho para crescer verdadeiramente e fazer papéis mais sérios, além de buscar ser boa mãe também. Este ápice acontece no 2×06 quando, finalmente, é explicada a relação da artista com a TV e pouco de suas origens.

 

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Araújo traz alguns detalhes em seus olhares que demonstram este amadurecimento e coloca até pequenas modificações de postura corporal, em momentos mais profundos. Contudo, todas as marcas que fazem parte de sua personalidade anteriormente continuam presentes, não se perdem. Assim como Samantha; Dodói, Cindy e Brandon recebem arcos com mais complexidade. Estas são de menor grau, é bem verdade, mas ganham. Porém, os atores não acrescentaram nada de diferente. Não que isto seja um ponto muito negativo. Contudo, poderia ter acontecido um desenvolvimento mais forte na atuação.

Uma possibilidade seria um trabalho do corpo que mostrasse um Dodói com uma pitada de sisudo, porque começou a cursar a faculdade de Direito. Ou, Cindy – que entrou, de fato, na adolescência – e Brandon – que decidiu aceitar que é mesmo uma criança -, poderiam trazer um pesar e uma leveza nas suas interpretações ou qualquer nuance de mudança. Afinal, eles passaram e estão passando por coisas que os afetaram, pelo menos isto aparece no texto que eles dizem, que confirma emoções e decisões novas. Mas, este fator pode ser uma falta de atenção e delicadeza da direção também, que colocou o foco maior na protagonista.

 

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Contudo, esse fato não compromete e coisas como não ter muito filler chamam mais atenção. Todos os acontecimentos são muitos justinhos dentro da trama. Samantha precisa crescer! Este é seu objetivo e toda a narrativa deste ano foca nisso, juntamente com subtramas que, ao invés de atrapalhar, ajudam a levantar o enredo principal. O relacionamento de mãe e filha entre Samantha e Cindy, a nova carreira de Dodói e os medos de Brandon, tudo isso fomenta o nó central, o desenlace e o cliffhanger do final.

Ainda que existam pequenas questões como dicção dass crianças e coadjuvantes de personalidade chapada, Samantha! se superou. A dinâmica entre o elenco continua a funcionar e camadas de complexidade foram colocadas, mostrando que a antiga artista mirim é muito mais do que quem assiste esperava, ela é uma OR…

 

 

Terror em Série – O horror na era pós Trump

Após seis temporadas lidando com temas ligados ao oculto e buscando metáforas entre o sobrenatural e os conflitos da convivência humana, o seriado criado por Ryan Murphy mergulha numa esfera mais realista e decide explorar o horror em sua mais pura forma, o horror da realidade. Nesta penúltima edição do nosso especial American Horror Story, chegamos na season do terror após a eleição de Donald Trump, chegamos em Cult.

A temporada começa estabelecendo quem são as personagens, mostrando um cenário polarizado, reflexo do período das eleições nos Estados Unidos. O primeiro episódio já começa revelando um clima de tensão e coloca em destaque ignorância x conhecimento, demonstrando o ódio daqueles que acreditam que estão perdendo muito ao ter que dividirem seus privilégios.

 

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Vemos na temporada essa dualidade o tempo inteiro. A protagonista, Ally (Sarah Paulson), tem estudo formal, tem consciência política, mas é mulher e lésbica, alguém que lutou muito por suas conquistas e que, por sua batalha e de outras pessoas, tem uma vida confortável, um casamento com outra mulher e um filho adotado. Devido ao seu passado, apesar de ter conforto financeiro e estabilidade, possui diversas fobias.

Já seu antagonista, é um homem branco, que, em sua primeira cena, comemora a eleição de Trump cheio de salgadinho laranja nas mãos, mostrando esse homem que procura culpar o outro pela sua falta de sucesso, como ele mesmo não pudesse ser responsabilizado pelos problemas que causou a si mesmo. A construção dessa dualidade é bem realizada e estabelecida no começo da série, contextualizando bem o enredo e os possíveis encaminhamentos.

 

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Murphy também sabe que o público, depois de sete temporadas, já está treinado e consciente de sua linguagem. Logo, ele tenta jogar com os códigos já entendidos por seus fãs. Os enquadramentos mais fechados nas cenas de Ally, traduzem esse sufocamento da personagem, mas também, deixa o espectador mais confuso sobre a sanidade de sua protagonista. Todos as conspirações, elementos sobrenaturais, coisas estranhas que sempre foram realidade na série, podem nessa temporada ser somente ilusão e a linguagem reforça essa impressão.

A primeira metade da temporada sabe conectar suas personagens, sabe segurar a tensão dos acontecimentos e une trama e visual numa viagem sobre o horror cotidiano, sobre o perigo iminente que são as pessoas ao redor, as pessoas de bem. O Culto, termina sendo o menos forte de certa maneira, porque suas cenas são desnecessariamente alegóricas e quando começamos a ver coisas demais, perde-se a metáfora do inimigo invisível, do olhar ao redor e se perguntar: “será que a aquele cara na outra rua votou em Trump? E se votou, do que ele é capaz?

 

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Por isso, a segunda parte da série se perde um pouco, ainda que mantenha certa qualidade, porque ao invés de se manter criticando um aglomerado de pessoas ególatras, capazes de fazerem mal para toda humanidade para manter o que as fazem felizes, sem pensar nas consequências, a série parte para se focar na vilania de Kai e relativizando todos os erros das outras personagens, tão sedenta por reviravoltas que termina quebrando um pouco o pacto com o espectador, quando o tempo inteiro o confunde com as intenções de suas personagens.

O maior louro de Cult é traduzir em imagens o que está na mente de cada eleitor de Hilary, de cada minoria social que vê a onda conservadora vindo como um tsunami desesperado para apaga-los da humanidade e também a mensagem final de que, quem sofre a vida inteira sem privilégios tem uma única vantagem, a vantagem de saber lutar, de saber esperar calmamente o contra- ataque, deixando uma mensagem de esperança para seu público.

 

 

**Hilda Lopes Pontes é cineasta e crítica cinematográfica. Formada em Direção Teatral e Mestre em Artes Cênicas, pela Universidade Federal da Bahia, hoje, ela é sócia-fundadora da Olho de Vidro Produções, empresa baiana de audiovisual.

Crítica Shazam!

 

por Enoe Lopes Pontes

 

Um adolescente de catorze anos tem a possibilidade de gritar “Shazam!” e virar um super-herói cheio de poderes incríveis e surpreendentes. Esse parece o sonho de qualquer criança viva que esse planeta já conheceu e também é a premissa da história sobre Billy Batson (Asher Angel). O garoto é órfão e procura sua mãe, até que ele recebe dons mágicos de um mago misterioso e sua vida acaba mudando completamente. Mas, vamos parar por aí na questão do enredo, senão vai chover spoiler.

Com uma dinâmica que mostra o passado e o presente do mocinho e do vilão, a narrativa se vale de um trauma de infância e da ausência de uma família para retratar os conflitos internos destas personagens. Talvez, a semelhança entre os problemas de Billy e Thaddeus (Mark Strong) e a decisões diferentes que eles tomam a partir deles seja uma espécie de fio condutor da trama. Isto é um ganho porque a questão passa quase suave diante do espectador.

 

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As trajetórias dos dois vão se desenhando durante a projeção e mostra-se o interesse que cada um tem sobre a vida e quando a escolha entre salvar o mundo ou se vingar dele faz com que o traço principal da personalidade de cada um seja definida. Tudo isto é feito com um clima constante de piadas de efeito. Apesar desta comicidade em alto grau cortar o clima de ação em alguns momentos, principalmente na luta final, este fator não compromete a totalidade do filme, justamente porque o herói é um adolescente e estas gracinhas que ele faz lembra sempre o público disto.

Mesmo quando Billy é o Shazam (Zachary Levi), a lembrança de que o um menino está ali fica vivida na exibição. Este também é um mérito de Levi que construiu o super-herói com trejeitos adolescentes, colocando os traços em seu corpo, seus olhares e nas intenções do texto. Contudo, Angel e Levi não parecem construir um papel único. Algumas vezes, faltam traços de atuação semelhantes entre os dois atores, o que deixa as versões destoantes.

 

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Outro ponto que incomoda na projeção são os diálogos expositivos. Ainda que não aconteçam o tempo inteiro, quando ocorrem dão a sensação de que o roteirista (Henry Gayden) subestimou a plateia e coloca textos dos mais ingênuos possíveis na bocas dos intérpretes. Sabe quando aparecem aquelas falas assim “Pai, você sabe que eu sempre odiei cenouras”. Este é um artifício um pouco preguiçoso que quem escreve faz para que quem assiste saiba de elementos anteriores. Porém, quando o roteiro é mais bem trabalhado, ele dá um jeito de contar as coisas de formas mais sutil.

Shazam! possui algumas falhas, mas chega para mudar um pouco o tom das adaptações das HQs da DC Comics, entregando um clima mais leve e menos sombrio, sem deixar os momentos de aventura e ação de lado. No geral, tem um resultado digno, trazendo a comicidade e o espírito do protagonista e deixando a possibilidade de um DCEU (Universo Extendido DC) com cada história dos heróis sendo contada com desenvolvimento e a personalidade que cada um deles merece.

 

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